Carol Morley presenterà sabato 17 ottobre 2026, in concorso ufficiale al BFI London Film Festival, il suo nuovo film 7 Miles Out, dramma di formazione ambientato a Stockport tra gli anni Settanta e Ottanta e ispirato alla perdita del padre, morto per suicidio quando la regista britannica era ancora bambina. Il lungometraggio, interpretato da Lucy Halliday, Aidan Gillen e Gemma Whelan, è tratto dall’omonimo romanzo semi-autobiografico scritto dalla stessa Morley e racconta il percorso di Ann, un’adolescente che cerca di affrontare il lutto attraverso l’amicizia, la musica punk e la scoperta della propria identità. La pellicola, della durata di 127 minuti, arriverà nei cinema del Regno Unito e dell’Irlanda nel 2027, mentre non è stata ancora annunciata una distribuzione italiana. In occasione della presentazione, la regista ha ripercorso le origini del progetto e il difficile lavoro necessario per trasformare i propri ricordi in una storia cinematografica, spiegando perché un film costruito attorno alla morte e alla sofferenza possa diventare anche un racconto di speranza.
La scelta di tornare su un’esperienza così personale rappresenta uno degli aspetti più significativi del nuovo lavoro di Morley, autrice che ha spesso dedicato il proprio cinema alle vite nascoste, ai ricordi incompleti e alle difficoltà di comprendere ciò che accade alle persone più vicine. 7 Miles Out prosegue questa ricerca attraverso una dimensione direttamente autobiografica, nella quale la perdita del padre si intreccia con la nascita di una coscienza artistica. La regista non cerca di ricostruire semplicemente ciò che è accaduto, ma di raccontare come quell’evento abbia continuato a influenzare il suo rapporto con il mondo, trasformando il cinema in uno strumento per affrontare domande rimaste aperte durante l’adolescenza.
La morte del padre e la musica dei Joy Division: la storia di 7 Miles Out
La protagonista Ann, interpretata da Lucy Halliday, cresce a Stockport, una cittadina dell’area metropolitana di Manchester, durante una delle stagioni più importanti per la musica britannica. È il periodo in cui il punk sta modificando profondamente la cultura giovanile e la nascita della new wave offre nuovi linguaggi a una generazione che fatica a riconoscersi nelle convenzioni del passato. Per Ann, però, questa trasformazione culturale coincide con una tragedia familiare: il padre, interpretato da Aidan Gillen, muore per suicidio, lasciandola alle prese con un dolore che non riesce a comprendere completamente.
La ragazza vive con la madre, alla quale presta il volto Gemma Whelan, e trova nell’amicizia con Hel uno dei pochi riferimenti capaci di darle sicurezza. La musica diventa progressivamente il luogo nel quale Ann può esprimere emozioni che non riesce a comunicare attraverso le parole, mentre le difficoltà familiari e il senso di isolamento rendono sempre più complicato il passaggio all’età adulta.
La vicenda si sviluppa sullo sfondo della scena musicale di Manchester, segnata dall’emergere di gruppi destinati a lasciare un’impronta profonda nella storia del rock britannico. Joy Division, New Order e The Raincoats accompagnano la costruzione dell’identità della protagonista, diventando parte integrante del mondo nel quale cerca di trovare una direzione. Non si tratta di una semplice ricostruzione musicale d’epoca: le canzoni rappresentano una forma di appartenenza e offrono ad Ann la possibilità di riconoscersi in qualcosa che esiste al di fuori della sofferenza familiare.
Un altro evento traumatico interviene quando Ian Curtis, cantante dei Joy Division, muore per suicidio nel maggio 1980. Per Ann, già segnata dalla perdita del padre, la notizia contribuisce a rendere ancora più difficile il proprio rapporto con la morte. Nello stesso periodo, l’allontanamento dell’amica Hel la priva di un legame fondamentale, lasciandola progressivamente senza quei punti di riferimento che avevano reso più sopportabile il dolore.
La ragazza attraversa così una fase di comportamenti autodistruttivi, cercando sollievo nell’alcol e in relazioni occasionali. Il film non presenta questa deriva come una semplice ribellione adolescenziale, ma la colloca all’interno di una ricerca disordinata di appartenenza e significato. Il ritorno di alcune persone conosciute in passato e il ritrovamento di una vecchia cassetta musicale apriranno però la possibilità di un cambiamento, attraverso il recupero di ricordi e legami che Ann credeva ormai perduti.
La musica diventa quindi il filo che attraversa l’intera vicenda. Se inizialmente rappresenta una forma di evasione, con il passare del tempo assume il significato di una possibilità creativa, permettendo alla protagonista di immaginare un’identità che non sia definita soltanto dall’assenza del padre.
Carol Morley: il dolore non scompare, diventa parte della nostra vita
Il tema centrale di 7 Miles Out nasce dalla convinzione di Carol Morley che il lutto non possa essere raccontato come un problema destinato necessariamente a risolversi. La regista ha spiegato che la perdita di una persona amata modifica profondamente chi rimane e che il tentativo di tornare alla vita precedente può diventare una richiesta impossibile da soddisfare.
«Con il lutto, c’è l’idea che il dolore non sia un processo istantaneo. Non credo che lo si superi del tutto. Lo si integra nella propria vita. Quindi volevo davvero realizzare un film in cui la tragedia e il lutto non fossero qualcosa da cui si esce, ma qualcosa con cui si convive».
Le parole chiariscono una delle principali intenzioni artistiche del film. Morley non vuole costruire una storia nella quale la protagonista affronta una tragedia e, superando una serie di ostacoli, ritorna semplicemente alla felicità. Il percorso di Ann è più complesso, perché la perdita del padre continua a esistere anche quando la ragazza scopre nuove relazioni e possibilità creative.
Il racconto affronta inoltre il tema del suicidio, argomento che nell’Inghilterra degli anni Settanta e Ottanta era spesso accompagnato da un forte silenzio sociale. La regista conosce direttamente quella difficoltà, avendo vissuto la morte del padre durante l’infanzia e avendo successivamente cercato di comprendere le circostanze della sua scomparsa.
Il film nasce anche dal desiderio di rendere possibile una conversazione su esperienze che molte famiglie faticano ancora ad affrontare apertamente. Morley ha raccontato di aver voluto evitare un’opera esclusivamente dolorosa, cercando invece di offrire agli spettatori uno spazio nel quale riconoscere emozioni differenti, comprese quelle apparentemente contraddittorie.
«Volevo che le persone percepissero un barlume di speranza alla fine. Il film affronta in particolare il tema del suicidio, che all’epoca era un vero e proprio tabù. Anche oggi è molto difficile parlarne».
L’intenzione della regista non è proporre una spiegazione universale della sofferenza o individuare una soluzione valida per tutti. 7 Miles Out cerca piuttosto di rappresentare la possibilità di continuare a vivere senza negare ciò che è accaduto, lasciando spazio anche all’amicizia, alla scoperta della musica e alla capacità di costruire qualcosa di nuovo.
Questa prospettiva è coerente con il percorso cinematografico di Morley. Già nel documentario Dreams of a Life, dedicato alla storia di Joyce Vincent, una donna la cui morte rimase inosservata per lungo tempo, la regista aveva cercato di raccontare non soltanto una vicenda tragica, ma anche la complessità di un’esistenza e delle relazioni che la attraversavano.
La morte, nel suo cinema, non rappresenta semplicemente la conclusione di una storia. Diventa spesso il punto dal quale emergono interrogativi sull’identità delle persone, sulla memoria e sulla difficoltà di comprendere completamente gli altri, anche quando appartengono alla propria famiglia.
Dal romanzo al cinema: perché adattare la propria vita è stato più difficile del previsto
Il progetto cinematografico ha avuto una gestazione lunga e non lineare. Morley aveva scritto il romanzo 7 Miles Out mentre cercava di trovare i finanziamenti necessari per realizzare Dreams of a Life. Il lavoro letterario era nato inizialmente come un modo per dare forma a ricordi ed esperienze che continuavano ad accompagnarla, permettendole di affrontare creativamente un periodo particolarmente complesso della propria adolescenza.
Una volta terminato il libro, la regista aveva avuto la sensazione di aver concluso quel percorso. Tornare ancora una volta sugli stessi eventi non faceva parte dei suoi progetti immediati, fino a quando una conversazione con Michael Winterbottom durante la pandemia non l’ha spinta a considerare la possibilità di trasformare il romanzo in un film.
«Durante il periodo del COVID, Michael Winterbottom mi intervistò per un libro che stava scrivendo sui cineasti britannici. E mi disse: “Ho letto 7 Miles Out. Dovresti farne un film”. E questo mi ha fatto iniziare a pensare a questa possibilità».
La difficoltà maggiore è emersa proprio nel passaggio dalla pagina allo schermo. Morley aveva già lavorato a un adattamento letterario con Out of Blue, tratto da un romanzo di Martin Amis, ma si è resa conto che utilizzare un proprio libro non rendeva necessariamente più semplice la scrittura cinematografica.
Nel romanzo era possibile attraversare numerosi episodi, seguire ricordi differenti e concedere maggiore spazio all’interiorità della protagonista. Il cinema richiedeva invece una struttura più concentrata, capace di individuare un percorso riconoscibile senza perdere la complessità emotiva del materiale originario.
«Con “7 Miles Out” pensavo sarebbe stato più facile perché è tratto dal mio libro, ma non è stato così. È stato più difficile in un certo senso, e per certi versi più facile perché ho semplicemente preso spunto da altri eventi realmente accaduti, quindi era molto autentico».
La regista ha spiegato di aver modificato episodi e personaggi, mantenendo però gli stessi temi fondamentali. Il film non deve quindi essere considerato una trasposizione letterale della sua adolescenza, ma una ricostruzione cinematografica che utilizza esperienze autentiche per costruire un racconto dotato di una propria autonomia.
La differenza riguarda soprattutto gli strumenti espressivi. Dove il romanzo affidava alla scrittura il compito di evocare luoghi e sensazioni, il film può utilizzare direttamente la musica, i volti degli attori, i dialoghi e gli ambienti reali.
La possibilità di tornare fisicamente a Stockport ha avuto un ruolo fondamentale in questo processo, permettendo a Morley di ricostruire una geografia emotiva nella quale il paesaggio urbano non è un semplice sfondo, ma una parte integrante dell’identità della protagonista.
Lucy Halliday, Aidan Gillen e il ritorno a Stockport
La scelta dell’attrice protagonista rappresentava uno dei passaggi più delicati dell’intera produzione. Morley cercava un’interprete capace di sostenere una storia fortemente personale, evitando che il personaggio di Ann diventasse una semplice imitazione della regista adolescente.
La scelta è caduta su Lucy Halliday, già apparsa in Blue Jean e coinvolta nella serie The Testaments. Morley ha raccontato di averla notata in precedenza e di aver organizzato un primo incontro a distanza, seguito da una lunga conversazione personale che l’ha convinta definitivamente.
«Ho percepito subito la sua energia e la sua capacità di esprimere diverse sfaccettature. Quindi, non appena l’ho incontrata, per me era Ann».
Accanto alla giovane protagonista compare Aidan Gillen, conosciuto soprattutto per le interpretazioni ne Il Trono di Spade e Peaky Blinders, chiamato a interpretare il padre di Ann. La sua partecipazione assume un significato particolare perché il personaggio è ispirato al padre della regista, una figura che Morley ha continuato a cercare di comprendere anche molti anni dopo la sua scomparsa.
Gillen ha voluto approfondire la storia familiare incontrando il fratello della regista, che aveva vissuto il rapporto con il padre da una prospettiva differente, essendo più grande di Carol. Un confronto che ha permesso all’attore di avvicinarsi al personaggio attraverso ricordi e testimonianze personali, senza limitarsi alle informazioni contenute nella sceneggiatura.
Gemma Whelan interpreta invece la madre di Ann, completando il nucleo familiare attorno al quale si sviluppa il racconto. Nel cast figurano anche Kasper Hilton-Hille, nel ruolo del fratello della protagonista, e Leila Entwistle, interprete dell’amica Hel.
La produzione ha coinvolto inoltre numerosi interpreti esordienti. Morley e la direttrice del casting Shaheen Baig hanno organizzato una selezione aperta a Stockport, alla quale hanno partecipato circa 450 persone, cercando volti capaci di restituire autenticità all’ambiente sociale e culturale del film.
La scelta di lavorare con attori alla prima esperienza si collega alla volontà di evitare una ricostruzione troppo levigata del passato. 7 Miles Out cerca di rappresentare una comunità attraverso persone e luoghi riconoscibili, conservando anche quelle imperfezioni che appartengono alla vita quotidiana e che possono scomparire nelle produzioni eccessivamente costruite.
Joy Division, New Order e la musica suonata davvero sul set
La musica costituisce uno degli elementi fondamentali di 7 Miles Out, tanto sul piano narrativo quanto su quello produttivo. Il film attraversa gli anni della nascita del post-punk e della new wave britannica, recuperando canzoni e atmosfere che hanno definito l’identità culturale di Manchester tra la fine degli anni Settanta e l’inizio del decennio successivo.
Joy Division e New Order rappresentano due riferimenti centrali, ma la colonna sonora comprende anche brani dei The Raincoats e di altri protagonisti della scena musicale dell’epoca. La scelta non risponde soltanto alla necessità di ricostruire un periodo storico: per Ann, quelle canzoni diventano strumenti attraverso i quali comprendere le proprie emozioni e trovare un linguaggio personale.
Il rapporto con il punk assume un significato particolarmente importante perché mette in discussione l’idea che la creatività appartenga soltanto a chi possiede una formazione artistica tradizionale. La possibilità di prendere uno strumento, formare una band e iniziare a scrivere canzoni diventa per la protagonista una forma di emancipazione.
Morley ha voluto recuperare questa dimensione anche durante le riprese. Le canzoni eseguite dai personaggi sono state cantate dal vivo sul set, una scelta che ha richiesto un lungo lavoro di preparazione agli interpreti, molti dei quali non possedevano precedenti esperienze musicali.
La regista ha raccontato che Leila Entwistle ha dovuto imparare a suonare il basso per interpretare Hel, affrontando una preparazione coerente con lo spirito stesso della musica punk. L’idea era mantenere nelle esibizioni una spontaneità che sarebbe stata difficile da ottenere attraverso una registrazione eccessivamente perfezionata.
«Nessuna di quelle ragazze sapeva suonare. Leila ha preso il basso e sembrava che sapesse suonarlo. E ci è riuscita perché era piuttosto semplice, dato che l’idea punk era che chiunque potesse suonare».
Le musiche originali sono state sviluppate da Carol Morley insieme a Carly Paradis, responsabile anche della colonna sonora. Il risultato è un progetto nel quale la musica non accompagna semplicemente le immagini, ma partecipa direttamente alla crescita della protagonista.
La scoperta della propria voce artistica diventa infatti una delle possibili risposte al dolore, non perché la creatività possa cancellare una perdita, ma perché permette di esprimere ciò che altrimenti rimarrebbe difficile da comunicare.
Una produzione indipendente girata nei luoghi della memoria
La realizzazione del film ha richiesto un’organizzazione particolarmente attenta a causa delle risorse economiche disponibili. Morley ha spiegato di aver lavorato con un budget limitato, senza la possibilità di programmare riprese aggiuntive o tornare successivamente sulle scene già completate. La produzione ha quindi dovuto adattarsi alle condizioni meteorologiche e alle difficoltà incontrate sul set.
Le riprese si sono svolte interamente nell’area di Stockport, entro un raggio di circa quindici minuti dalla cittadina. La scelta ha permesso di conservare un rapporto diretto con i luoghi nei quali la regista aveva trascorso la propria adolescenza, trasformando strade, edifici e ambienti quotidiani in elementi fondamentali del racconto.
La fotografia è stata affidata ad Agnès Godard, collaboratrice abituale di Morley e autrice di immagini particolarmente riconoscibili nel cinema europeo. Il suo sguardo ha permesso di osservare Stockport attraverso una prospettiva diversa da quella della regista, combinando il ricordo personale con una visione cinematografica esterna.
La lavorazione ha dovuto affrontare anche le difficoltà del clima britannico, con scene realizzate sotto la pioggia e un’organizzazione che richiedeva di proteggere continuamente attrezzature e interpreti. Morley ha raccontato di aver scelto spesso di adattarsi alle condizioni del momento, mantenendo la flessibilità necessaria per sfruttare situazioni impreviste.
Il montaggio è firmato da Raluca Petre, mentre la fotografia di Godard contribuisce a restituire l’atmosfera di un’Inghilterra attraversata da cambiamenti culturali e sociali. L’obiettivo non è costruire una rappresentazione nostalgica degli anni Settanta e Ottanta, ma recuperare la concretezza di luoghi nei quali la musica, le amicizie e le difficoltà familiari hanno contribuito a formare l’identità di una generazione.
Morley ha chiarito questa intenzione con una dichiarazione particolarmente significativa: «Personalmente non mi interessa la nostalgia. Mi interessa l’autenticità».
È una distinzione importante. Il passato non viene utilizzato come un luogo idealizzato nel quale tutto appariva più semplice, ma come uno spazio attraversato da difficoltà, contraddizioni e possibilità creative. La regista cerca di restituire il significato di quegli anni senza separarli dalla sofferenza che li ha accompagnati.
7 Miles Out, quando esce il nuovo film di Carol Morley
7 Miles Out sarà presentato in anteprima mondiale sabato 17 ottobre 2026 al BFI London Film Festival, dove partecipa alla competizione ufficiale per il miglior film. Una seconda proiezione è prevista domenica 18 ottobre, nell’ambito della manifestazione londinese.
La distribuzione cinematografica nel Regno Unito e in Irlanda è programmata per il 2027, mentre non sono stati ancora comunicati una data di uscita italiana o eventuali accordi con piattaforme streaming. Il film arriva al festival dopo un lungo percorso di sviluppo, durante il quale Morley ha trasformato il proprio romanzo autobiografico in una produzione indipendente capace di coinvolgere interpreti conosciuti e numerosi giovani esordienti.
L’interesse del progetto non risiede soltanto nella ricostruzione di una stagione fondamentale della musica britannica. Attraverso la vicenda di Ann, Morley affronta una questione universale: come si costruisce la propria identità quando un evento traumatico modifica improvvisamente il rapporto con la famiglia, con gli altri e con se stessi.
La risposta proposta dal film non sembra cercare una conclusione definitiva. Il dolore rimane parte della storia personale, ma può convivere con nuove amicizie, esperienze e possibilità creative. È questa la prospettiva che la regista ha voluto sviluppare, evitando tanto la disperazione assoluta quanto una rappresentazione eccessivamente rassicurante della guarigione.
7 Miles Out diventa così un ritorno alle origini per Carol Morley, ma anche un tentativo di osservare la propria adolescenza con la distanza acquisita attraverso gli anni. Il cinema le permette di ricostruire ciò che la memoria conserva in maniera frammentaria, dando forma a una storia nella quale le esperienze individuali possono parlare anche a persone che non hanno conosciuto la stessa epoca o gli stessi luoghi.
La musica dei Joy Division, l’amicizia con Hel, il rapporto con la madre e il ricordo del padre costituiscono le diverse componenti di un racconto che cerca di tenere insieme sofferenza e vitalità. Morley non vuole spiegare agli spettatori come dimenticare una perdita, ma mostrare che è possibile continuare a vivere anche quando quella perdita rimane presente.
Dopo aver raccontato per anni le vite e i misteri degli altri, la regista torna dunque alla propria storia. E lo fa attraverso un film che considera la creatività non una fuga dalla realtà, ma una possibilità per affrontarla. In 7 Miles Out, la musica non cancella il passato: offre alla protagonista un modo nuovo di raccontarlo, e forse di trovare finalmente la propria voce.
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